見たとおりB級感満載のジャケだが中身はさすが黄金期。王道エレクトロとしてあと３年は品質保証できる。この時期のフローゼは何をどうやってもいい出来になる音工法を確立。サントラとして葬るにはもったいない気持ちよさだ。

80年代初期シンセの音色をたっぷり封入、次作「Pinnacles」ほどあからさまなエスニック感がなくサイバーに仕上がっている。

これが気に入った方は、同じくサントラ盤の「Thief」（1981） 「Flashpoint」（1884）もぜひ。もしジャケで購入をためらっているのならどれも自信をもっておすすめする。

サイバーパンクムービーの先駆け
82年「ブレードランナー」、85年にはテリー・ギリアム監督作「未来世紀ブラジル」がヒットしたという、サイバーパンク創世期。「Kamikaze 1989」もその勢いに乗じた作品と思われる。日本では「未来世紀カミカゼ　 」という開き直ったタイトルがつけられた。ブレードランナーは2019年の未来社会を描き、Vangelisを起用したが、本作は予算の関係か７年後という設定。奇しくもベルリンの壁崩壊と一致した。ドイツではかなり有名な監督、俳優による映画らしく、ゆうばり国際ファンタジック映画祭1990年参加作品ともなっている。ぼくが思いだしたのはデンゼル・ワシントンとラッセル・クロウという二大スターが競演する「バーチュオシティ」(1995)だ。こちらも一見B級だがビー・ジーズのディスコサウンドにあわせてまだ売れる前のラッセル・クロウが街を闊歩するシーンはなかなかキマっていた

Rainer Werner Fassbinder主演
Wolf Gremm監督

Side A
Videophonic
Vitamin C
Krismopompas
Police Disco
Intuition
Police Therapy Center

Side B
Blue Panther
Snake Bath
Unexpected Death
Flying Kamikaze
Tower Block
The 31st Floor

Virgin V2255 1982

同年の「Hyperborea」と同じく、ドローンやペンタトニックといった、非西欧的なモードにシーケンスをからめていくという必勝パターンで最後まで押しとおす。エスニックサウンドを当時かなり聴きこんでいだであろうフローゼの研究成果といえるものだ

音を重ねすぎないスカスカ感も適度にあって、27年前の作品とはにわかに信じがたい今日性がある。エレクトロの新作だといって覆面リリースしてもじゅうぶんいける音だ

Pinnacles　
2005年、新たにリミックス、デジタルリマスタリングされた新盤が登場したが、蛇足とも思える余計なストリングシンセがバックに追加されており、オリジナルのもつ乾いた空気感、エスニックなスカスカ感が失われてしまった。この時リリースされたリミックス盤すべてにいえることだが、当時の音そのままを伝えるオリジナル盤が入手困難となっていることは実に大きな損失である

レコードであれば中古市場でまだまだ手に入ると思うし、妻モニク・フローゼによるジャケットデザインも冴えている一枚なので、彼女がアートワークを担当した最後のソロ作をぜひ直に鑑賞していただきたい。

1. Specific Gravity of Smile
2. Light Cone
3. Walkabout
4. Pinnacles

1983　Virgin Records 205-594

ポップを偽装したハード・エレクトロ
81年。通算16作目（ベストをのぞく）。暗い。救いようがなく暗い。まさに出口なしである。ヨハネス・シュメーリンク加入後のタンジェリンは、透き通るような見晴らしの良さが特徴だが、EXITだけは別だ。

外見はポップを装っても実体はハード・エレクトロであり、当時の息苦しさというか、欧州各国の閉塞感を見事にスナップした架空のサウンドトラック集といえる。考えてみれば東西ドイツ統一、ソ連崩壊の十年も前の作品だ。東西ベルリンに垂れ籠める暗黒の霧のようである

Pilots Of Purple Twilight
地味であるが、実にタンジェリンらしい、豊かな音色感がある。シンセの持ち札をぜんぶみせてるかんじだ。このゴージャスなサウンドは今日のDTM環境でもそう出せるものではない。30年を経てむしろその斬新さが際だってきた印象だ。タイトルはおそらく本の題名か、もしくは慣用句としてこういう表現があるのかもしれない。

余談であるが、Heaven 17のマーティン・ウェアもヒューマンリーグ時代、TDのシンセに影響を受けたと語っているが、彼らの2nd「Travelogue」でみられたギザギザした手触りはたしかにTDと通じるものがある。特にB面の「Gordon's Gin」はインスト・ナンバーということもあって実にTDしている

Choronzon
タンジェリンの作品中もっともディスコティックかつハードボイルドな仕上がり。４つ打のキックに16分の刻みといえばジョルジオ・モロダー発祥のミュンヒェン・サウンドだが、そこはやはりエグい音色とリズムに改造されている。

クラフトワークは「人間解体」でこのビートをいちはやく導入し、よりスタイリッシュかつポップに進化していくわけだが、タンジェリンまでもディスコティックになることにはファンからもかなり不満の声があったようである。当時の音楽雑誌を読み返してみてもたいていはこの辺りの批判に終始している。しかし、これほどカッコイイ音にケチをつけるというのはずいぶん狭量な話で、むしろ今の若い人たちのほうがすんなりとこのナンバーの凄味を感じているであろう。まさにキメの一発だ

コロンゾン。悪魔・邪悪の象徴。おそらくアレスター・クロウリーを知るフローゼのオカルト嗜好であろう

Side B
Exit
傷を負い、泥まみれの足をひきずる流浪の民。迫害。虐殺。解放への希望。悲痛さが響く。天の悲しみが雨となりワルシャワに降り注ぐ...アルバム中もっともビジュアルなサウンドだ。

Network 23
当時NHK-FMのクロスオーバーイレブンでオンエアされた16ビートのノリノリ曲。Choronzonと同じくミュンヘン・サウンドの影響が強い。TDお得意のワンコードで圧しまくる愚直なボトムに重厚なテンションコード（Oberheim？）が乗っかるスタイルは今だに孤高だ。昨今のテクノよりよっぽど新しい。

Remote Viewing
初期・中期タンジェリンの前衛をさらに推し進めたような。音色もアナログなかんじ。しかしインプロヴィゼーションまかせの現場合わせではなく、かなりコントロールされた音。推敲に推敲を重ねたミックスという点が70年代とは異なる。Remote Viewingというタイトルもおそらくフローゼの趣向ではないかとおもう

変革から中庸へ　実験から推敲へ
ポップ化してつまらなくなったとか、実験精神を失って大衆に迎合したとか、今も昔もこのアルバムにケチをつける人は多い。両面１曲という前作「Tangram」は大作志向のプログレファンにもまあ受け入れられたが、本作は批評家にさえポップ化したとばっさり斬り捨てられてしまった。

なぜTDは変わったのか。まず曲が短くなったことについて。

「映画のサントラ制作がターニング・ポイントになった。３〜４分といった短時間に、いかにして自己表現するかを学んだんだ。最初は単純に必要にせまられてはじめたんだけど...数年前まで僕たちは、この種の音楽をやることで、人々の意識を変革することができると思っていた。でも今は、ある特定の方向に強要するんは間違いだと思っている。音楽というものは、中庸でなくてはならない。そこで僕達は、アイデンティティをそのままで、よりアプローチを前進させることにした。だから僕達は商業的になったと同時に、以前からの強いインパクトを失っていないと信じている」エドガーフローゼ（85年・米バムマガジン）

次に実験的でなくなったという批評について。

「それはぼくらが実験的なものをしようとしなくなったからなんだ。今まで試みてきた様々な実験を推敲しているんだよ」クリス・フランケ（フールズメイト1983年９月号）

確かにEXITは、80年初頭までのTDにみられた冗長さが全くないどころか、一部の隙もないほど入念に推敲されている。むしろ従来どおり長尺で仕上げることは当時の彼らにとってむしろイージーな選択であっただろう。その証拠に81年10月25日、NewcastleでのステージではChoronzonが10分以上にわたってプレイされており、その気になればいくらでも長大にアレンジできるという証左となっている。従来ならばLPの片面を占拠したであろうサウンド・マテリアルを、４分ほどに圧縮してあるわけだから、これほど濃密な36分42秒はそう聴けるものではない。

EXITには、現在の彼らですら再現できない音色の豊かさ、グルーヴがある。「EXIT 2010」などと題してリミックスする必要などないほど、30年前のままで最先端という恐るべき今日性を保持しているのだ

「Logos」と「Poland」という二つのライブアルバムの狭間に位置する本作であるが、80年以降のTDはライブ盤とスタジオ盤との差がほとんどなくなり、単に拍手や歓声の有無くらいのものになっていく。クラフトワークとおなじく、TDもライブにそのまま持ちこめるスタジオ環境を整備しはじめた時期ではなかっただろうか

音は流氷というより赤道直下の乾燥地帯をおもわせる熱風音。エキゾチックな音色とフレーズ、リズムが交差する。フローゼが当時エスニック・サウンド（今だとWorld Music）に一番入れこんでいた時期の作品といえるかもしれない。５ヶ月前に録音された彼のソロアルバム「Pinnacles（名作）」から「Poland」までは特にエスニック色が強い気がする。しかしそこはやはりドイツ職人気質、ゆるみのない愚直な音だ。ドローンとエキゾチックな旋律が印象にのこる１曲目「No Man's Land」などまさにそうだが、Tangerineのお家芸ともいうべきワンコードでラストまで押しまくるところなど、"らしい"といえるのではないか。

本作を置き土産に十年にわたるVirginとの契約を解消、新レーベルJive Electroに移籍する。

1. No Man's Land
2. Hyperborea
3. Cinnamon Road
4. Sphinx Lightning

2008年にHyperborea 2008　 としてリミックスされリリース。ジャケはフローゼの手によるダリエスクなもの

あなた様がこの手紙を受けとってくださいますよう
この世をもっとマシにしてくださるよう祈りを捧げます

ぼくは別にビールの大幅値下げをしてくれっていうんじゃない
ただあなた様の姿に似せてお創りになったという誰もがみな
腹ペコで立ちつくしているのをどうかご覧ください
みな食べものをまだ充分にもらっていないのです

神さま、あなたから

ぼくはあんたを信じることができない

拝啓　神さま、お気づきかもしれませんが
この本のいたるところにあなたの名が記されています

誰か狂った人間が書いたのです、一度あなたもご覧になるべきだ
でもあなた様の姿に似せてお創りになったという誰もがみな
このデタラメを真実だといって疑いません

でもそれは間違いだ、あなたもわかっているでしょう、神さま
ぼくはあんたを信じることができない

天国も地獄も信じたくない
聖者も罪人も、悪魔も
真珠の門も、いばらの王冠も

あんたはいつだってオレたち人間を堕としてきた
戦争をはびこらせ、胎児を溺死させ
羊水の彼方に死体を消した
これはどの国だって同じことだ

この苦痛を前にオレは疑わずにはいられない
父と子と聖霊なんて
誰かの悪ふざけにすぎないんじゃないかと

あんたは上で見てるがいい
ここでオレがイカれちまうのを
このオレがひとつだけ信じられないことがあるとしたら

それはあなた様です
神よ

（抄訳）

ファミコンに限らず初期家庭用、アーケード等限らずその性能から音源はかなり限られた物であった、その中で特にファミコンは第一線で稼働していた時期が長く、プレイ時間も長かったので必然的にこの音に洗脳されていく世代が生まれたのは当然の流れだろう。

FAMILIAR COMPUTING WORLD　

8bit Project

1. 恋のマイアヒ
2. キューティーハニー
3. さくらんぼ~Happy Days~SMILY~プラネタリウム
4. トワイライト
5. [新世紀エヴァンゲリオン・メドレー]残酷な天使のテーゼ~ANGEL ATTACK~DECISIVE BATTLE~交響曲第九番第四楽章~FLY ME TO THE MOON~次回予告
6. めざせモスクワ
7. ライディーン
8. ゲームセンターあらし
9. Birthday Eve~D.D.D.~Shake It Up~you
10. GOLDFINGER '99
11. [スタジオ・ジブリ作品メドレー] 風のとおり道~ナウシカ・レクイエム~人生のメリーゴーランド
12. パワーホール
13. チャンピオーネ~ロコローション~上海ハニー~花
14. 恋のマイアヒ（リプライズ）
15. 21 世紀のスキッツォイド・マン(インクルーディング:ミラーズ)
16. コンピューター･ゲーム"サーカスのテーマ"
17. テクノポリス

-saitoy-

ユーロピアン・ロックの新しい展開--仲邨杳一さん
注目すべきレーベルが日本でも紹介されることになった。"The Most Progressive European Music Experience"をキャッチフレーズにするEGGがそれである。...

ぼくは、このカタログを見たとき、イギリスのヴァージン・レーベルを連想してしようがなかった。つまりこれはフレンチ・ロックという狭いカテゴリーだけのためのものではなく、そのキャッチフレーズにもあるとおり、ヨーロッパの最もプログレッシヴな音楽をトータルに紹介するという崇高な理念の元に出発したレーベルなのだ。本家ともいえるヴァージンは、結局経営上の問題から、創設当初のような実験的なグループやアーティストたちは次々と切り落とし...

その意味で、今日までとかく陽が当たらなかったフランスの、それも真にプログレッシヴなロック・ミュージシャンを中心に、ユーロ・ロックを意欲的に紹介していこうとするEGGは、これからの活動が実に期待できるレーベルなのである。（イグナチオ・ライナーより　1979）

...このレーベル設立の意義は、ヨーロッパ人にとっては血とでもいうべきパンクやニュー・ウェイヴの動向以上に重い必然的な出来事だったのだ。それは産業革命以後、ヨーロッパ人が育んだテクノロジーの究極的な音楽、テクノ・ポップ・ミュージックへの科学的帰結とも言えるだろう。

もし空を飛べたらと、人間が宇宙に馳せたロマン、エッグ・レコードから発表される彼らの音楽のすべてには、そのモダーンでポップで、シックなロマンが今だに、色鮮やかに息づいている。

80年代へ、21世紀へ繋がれるそれらのロマンを、彼らはエレクトロニクスという電子によって、人工的に自然にジオメトリックなシンプル模様を描き、耽美な世界に僕らを誘う。それは暗い80年代のヨーロッパ人に放つ一条の水晶にもにた光なのだ。

いや、ヨーロッパだけでなく世界のロック・ミュージックの主流として君臨するのは歴史が証明してくれる。

今や世界は電気から電子への道を歩み始めたのだから。

フランスに於いて、アルバムの売り上げがシングルにまさったのは1976年からだという。

フランスのロック・シーンは今日やっと始まったばかりなのだ。そしてエッグ・レコードの設立もこの年である。総ての舞台装置は今やっと揃ったようだ。（同）

EGGとシンセサイザー　テクニカルな面から見た革新性とその意義--加藤しげきさん

個性化とメディア・アート化
現代の音楽、特にポップ系はサウンドの個性化が重視される。一方アコースティック楽器ではサウンドの変化、バリエイションには自ずと限界がある。シンフォニー・オーケストラは楽器の組み合わせによって音のキャラクターは変化を持たせられるものの、やはりシンフォニーの音でしかない。ひるがえってシンセサイザーはどうだろう？　

電子回路技術は基本波形を各種エフェクターによって様々に変化させ、合成させて、既成楽器にはない音のキャラクターを創造できる。音の個性化がポップ系音楽までますます進むとすればこうしたメリットが活かされて、今後シンセサイザーの位置づけはますます重要なものになっていくにちがいない。

又、一方シンセサイザー音楽が、ノン・ステージ・ミュージックの方向を指向していることもたしかで、この音楽の創造活動が、かつての電子音楽や具体音楽のようにステージ演奏による発表がしにくくなっている...必然的にこの音楽は電子メディアを必要とするメディア・アート的性格を多く持つようになり、ポップ全般がもつメディア・アート化傾向の最先端を行く音楽となることも否めないところである。

しかし、一方でこの音楽が、映像、色彩等といった他の要素をとりこむことによって、新しい総合性芸術としての可能性を従来の音楽とは異なった場への展開を暗示するものがある。

...EGGを中心とするムーヴメントは、メディアによって新らしい場を共有しようとする、電子時代の芸術と呼ぶにふさわしいものに育って行くと思われる。これらが再びステージに帰ってくる日には、会場そのものがテクノロジカルなメディアとして完成されたものでなくてはならないはずである。

新しい音響芸術の夜明けが、いまEGGのシンセサイザー音楽にたしかな手ごたえで実感される。（同）

...EGGレコードのイメージは、シンセサイザー等の電子楽器を駆使した、比較的古典的意味での"美しさ"を探求する、といったようなものである。...その水晶のような音のかけらは、内部宇宙の幻想を忠実に再現していく。...私たちを日常性から断ち切り、純粋な夢へと解き放つ...（Fool's Mate Vol.8　瀬沼俊隆）

70年代のシンセサイザー音楽を愛してやまない人間ならば、フランスのEGGと、そのすばらしいアーティストたちの残したレコードに今でも針を落とすことがあるだろう。ちょうどYMOの「Solid State Surviver」がオリコン・チャート１位になり、シンセサイザー音楽が注目されはじめた1979年、それに乗じてかこの小さな電子音楽系レーベルもキングから国内リリースされたのであった。

坂本龍一さんも「UC YMO　 」のリマスタリングに立ち会った際、「アナログ・シンセの音色の美しさにあらためて感じ入った」と語っていたとおり、たしかに70年代のキーボード環境は、メロトロンやハモンド、ローズもひっくるめて音色の豊かさにおいて際だっているし、デジタル全盛の今だからこそもういちど聴きたい音だ。EGGもまたそういう意味で、アナログ・シンセのピュアな音色が心に残るレーベルである。

Vangelis「IGNACIO」やPopol Vuh「coeur de verre　 」、Roedelius「JARDIN AU FOU　 」、Christian Vander「TRISTAN & ISEULT　 」などそれなりに知名度のあるアーティストが名をつらねるいっぽう、地元フランス勢のアーティストたちは日本でも耳慣れない名ばかりで、その後EGGが消滅したこともあり今となっては消息すら定かでない。

エルヴェ・ピカールのプロジェクト"Ose"のアルバム「Adonia」は、エルドンのリシャール・ピナス、フランソワ・オジェが参加している（１曲のみ）こともあってかCD再発されたし、フランソワ・ブレアンの「SONS OPTIQUES」「VOYEUR EXTRA - LUCIDE」はマグマ人脈とからんでいたおかげで2004年になってMUSEAから２枚とも再発。ティム・ブレイクの２枚「CRYSTAL MACHINE」「NEW JERUSALEM」もゴングの連なりでVoicePrintからめでたく再発されている。

しかし映画音楽の世界では知れられているミッシェル・マーニュ（亡くなられたそうだ）の「天地火水」２枚と、今回紹介するパトリック・ヴィアンにいたってはぼくの知りうるかぎり廃盤のままだ。二人ともプログレ人脈に縁がなかったから不運にも再発されなかったというだけで、作品自体の素晴らしさではむしろ他を凌いでいるとぼくは思っている。

EGGとパトリック・ヴィアンについては、Fool's Mate Vol.8（1979）と、たかみひろしさんのライナー・ノーツが唯一の資料であり、また貴重だとおもうのでたくさん抜き書きしておきたい。

...「ボリスの息子がまたやった！　今回は"赤いざわめき"ではなくて"シンセのざわめき"である。Vianはシンセサイザーでなかなか悪くない新味のあるレコードをつくった...」（仏のロック専門誌Bestより）

...有名な作家ボリス・ヴィアンが彼の父親である。ボリスはヴァーノン・サリヴァンの名前で作家をするかたわら、20年前にはジャズ・トランペットを吹いていたらしい...

"赤いざわめき"というのはフレンチ・ロックファンなら誰しも知っているRed Noiseのことである。

...Patrickは、父親の影響もあってか、早くから音楽に深い興味をもち、パリのセントラル・インスティチュートで電子関係の勉強をしていた学生時代には、Red Noiseに代表される60年代末のフランスのいろいろなアングラ・バンドと一緒になって前衛的なギターを演奏...1968年５月の文化革命のとき、学生が築いたバリケードに守られてソルボンヌ大学でコンサートをやったというアナーキーなバンドだった。69年にはヴァルボンヌのような南フランスの温暖な場所でのフリー・フェスティバルがさかんに開かれたが...Red Noiseは停滞していたフランスのロック・シーンに活を入れたような画期的なアルバム「Sarcelles Lochères」を発表して、70年に解散してしまう。Red　Noiseはそのメンバーによって受け継がれ、Kominternというバンドが誕生した。

Patrickは一年ばかりフランスを離れ、旅に出る。ガイアナ、インド、さらにバリ島まで訪れたが、この旅で知った音楽に興味を持ち、自分の音楽創作にとって重要な役割を果たすことになった...
（1979.5.28　たかみひろし　ライナー・ノーツより）

Bernard Lavialle: Guitare
Georges Granier: Fender Rhodes, Marimba, Bruits Occultes（オカルト音？）, Ciseaux（ハサミ）
Mino Cinelu: Batterie sur sphere, percussions sur oreknock
Patrick Vian: Moog 2C, Arp 2600, Moog sequencer, Piano sur bad blue

冒頭からシーケンサーに導かれてギターが気持ちよく鳴りだすところなどは、Ash Raあたりを思わせるし、エスニックな旋律とシーケンスの組み合わせはそのまま80年代のタンジェリン・ドリームだったり、ときにはジャズだったりであるが、パトリック・ヴィアンのばあいもっと茶目っ気たっぷりというか、ハチャメチャなところがあって、ラストの「300年ドラッグ」などはいきなり進軍ラッパが鳴るは、レーシング・カーが爆走するはで単に東洋音楽の影響を受けたシンセ音楽という枠におさまらない、サイケデリックなセンスが楽しい。ジャケット裏で気持ちよさそうにカヌーを漕ぐすがたはまんまヒッピーだ。

電子的エロスを周囲にまき散らす妖艶なジャケット・アートは、EGG中ダントツの出来ではないかとおもう（クリックで拡大）。中古レコ屋でみかけたらぜひ現物を手にとっていただきたい。

Face A

1. Sphere
2. Grosse Nacht Music（大夜曲）
3. Oreknock
4. Old Vienna

Face B

1. R&B Degenerit（R&Bアプローチ）
2. Barong Rouge
3. Tunnel 4, Red Noise
4. Bad blue
5. Tricentennial Drag

当時歌謡曲ばかりを聞いていたような中学生にはテクノポリスは衝撃だった、分かりやすいメロディーと新鮮なシンセサイザーの音、ライディーンでは定規で机をたたき、ビハインドザマスクのドラムのかっこよさにしびれていた。
しかしキャスタリアの良さを当時知ることは出来無かった。

テクノポップと呼ばれる物はシンセサイザーの多重録音で音を造っていくが、当時の多重録音技術ではそう多くのチャンネルを重ねることは難しかったので、テクノポップと呼ばれるものはしょぼい音が多かった、しかしそこはさすが元祖、しょぼさを感じさせることもなく最高にかっこいい。

Solid State Surviver　
Yellow Magic Orchestra
Technopolis
Absolute Ego Dance
Rydeen
Castalia
Behind The Mask
Day Tripper
Insomnia
Solid State Survivor

-saitoy-

メキシコの芸術はおもしろい。リベラにしてもシケイロスにしてもそうだが、キュビズムやシュルレアリスムなど前衛を知りつくしていながらも、アウトプットはとても民衆的な、トラディショナルな作風になっている。

これはメキシコの音楽家にもいえることで、西洋音楽を土台にしていながらも、でてくるサウンドにはメスティソとしてのアイデンティティが滲みでている。その際だった例がJorge Reyesのように先鋭的かつ古代的なヒトであり、彼のばあいは失われたマヤ、アステカの音楽をもとめて彷徨う姿がそのまま音になっているような印象だ。

1985年、当時おそらく音大生だったと想像される若い３人が残した唯一のアルバム「Metamorfosis」にも、そういう意味でのメキシコらしさが溢れている。

Metamorphosis

ARTURO GARCIA LEZAMA: Guitar, Voice and Citaguítara
JORGE GARCÍA MONTEMAYOR: Guitar, Clay Pot, Jingle bells, congas, bongos and voice.
MARUJA LEÑERO ELU: flute, Jícaras in water and Voice.

フォルクローレな叙情だけではなく、ときにはジャズばりにフルートが踊るスリリングなインタープレイや、大衆的な明るい舞曲、キツイ響きの現代音楽的なものまで、どれも素朴な風合いでありながら洗練されており、彼らの音楽的素養がさりげなくあらわれている。また、クレジットにVoiceとあるとおり、歌詞をもたない楽器的な声の使い方だ。

「Metamorphosisはフュージョン・グループです。ジャズや、クラシックや、フォーク、ロックなどさまざまなジャンルの音楽を含んでいます...」（ジャケット裏にあるコピーより）

日本でフュージョンというとどうしてもカシオペア的というか、テクニック重視のお定まりな音楽と偏見されることが多いけれども、もともとFusionはその原義どおり「融合」をあらわすものであって、マイルス・デイビスもブラック・ミュージックの融合を目指していたという意味ではFusionそのものである。それを引き継いだハービー・ハンコックでさえフュージョンだといってもおかしくはない。

Metamorphosisが自らをフュージョンだというときも、この創造的な姿勢を明示したものであって、我が国における一般の認識とは別に考える必要があるし、逆にそっちの意味をあたりまえにしていきたい。

Metamorphosisを聴くとかならず思いだすのがフランスのLBC Trioである。彼らもまた、アカデミックな音楽教育を受けていながら、それにとらわれない自由な音楽のあり方というものを探求する若い三人組であった。そしてMetamorphosisとおなじく、声というものを器楽的に使いこなしていた。LBC Trioについてはまた書きたいとおもう。

ジャケットはだまし絵になっていて、Metamorphosisの文字が幼虫のように潜んでいる。

青空にむかって飛翔する小さなアゲハチョウにこめられた三人の若き情熱は、二十年以上たったいまも色褪せることはない。

LADO UNO
1. Senderos de la Lluvia（Paths to Rain）
2. Erupción（eruption）
3. Neblina

LADO DOS
4. Danza del Amanecer（Dance of the Dawn）
5. Vuelo（Flight）
6. Esmeralda（emerald）

PENTAGRAMA LPP-048 1986

小雨のふる北欧の山々--そんな静かな風景を想いながら、僕はこのアルバムによく針を落とす。熱いコーヒーをすすりながら、寒い冬の夜に聴くラグナロックには、又、格別の味がある...（山崎尚洋　「MARGUEE MOON VOL.8 特集・香りの音楽 P41 1982」より）

山崎さんの書いたこの一文が、北欧のジャズ・ロック・グループ、ラグナロクとの馴れ初めである。いまあらためて読みかえしてみても、このアルバムにただよう空気というものをよく伝えていて、つけ足すことが何も思い浮かばない。

大学時代の友人にいわせると、当時のぼくのアパートを思いだすとき、かならずといっていいほどこのジャケも回想されるのだそうだ。それくらい愛聴していたんだとおもう。

あれから二十年。いまでもよく「Ragnarök」に針を落とす。そう、ちょうど今日みたいな底冷えのする雨の日に。あのころと変わらず、深煎りの熱いブラックコーヒーを飲みながら。

「Fjärilar i magen」（1979）
「Fata Morgana」（1981）
「3 Signs」（1983）

をリリースしたのち、いちど沈黙するが、1991年になって「Well」を発表する。そこには1stに参加していたオリジナル・メンバーが一人もクレジットされていなかった。そして、Silenceレーベルから1stが再発されたのが1995年。2nd〜4thは廃盤のままであるが、やはりこの1stだけはぼくみたいな根強いファンがいたということであろう。

76年でこの渋い音はやはりセールス面でもぱっとしなかったのかもしれない。ECMあたりから出ていればまたべつのリスナーに支持されたのかもしれないが...セカンドからはしだいに激しいロック・サウンドを取り入れたせいで、1stのもつ静かな響きは失われていった。

1stの再評価にまた自信をとり戻したのか、近年になってライブ活動も再開され、2008年にはふたたび初期メンバーによる「Path」を発表する。１曲目「Mirrors and Windows」からは、Welcome Home！とでも声をかけたくなるような、古いファンには聞き覚えのあるあの懐かしい響きがきこえる。1stとおなじくPeter Bryngelssonのアコギから入るあたりは、メンバーもじゅうぶんに意識しているのかもしれない。

ちなみにジャケットの水彩画は、澄みきった夜空を描いたものとばかりいままで思いこんでいたが、裏をみると工場の煙突がはき出す黒煙だとわかった。B面２曲目の「Fabriksfunky(Factory Funk) 」となにかしら関係があるのではと考えてみたが、このたおやかな音のなかにあってはどうでもいいことであろう。

Ragnarök
Peter Bryngelsson, Peder Nabo, Henrik Strindberg, Staffan Strindberg, Thomas Wiegert

Sid 1
Farväl Köpenhamn(Goodbye Copenhagen)
Promenader(Walks)
Nybakat bröd(Freshbaked Bread)
Dagarnas skum(L'Ecume des jours)

Sid2
Polska från Kalmar(Reel from Kalmar)
Fabriksfunky(Factory Funk)
Tatanga Mani
Fjottot
Stiltje/Uppbrott(Calm-Breaking up)
Vattenpussar(Puddles)

Silence SRS4633（LP）
Silence SRSCD 3613（CD）

Ragnarök
オフィシャル・サイト。最新アルバムとこの1stアルバムを試聴できる。PDFでギター譜も公開している。

We Love Progressive Rocks
Office Chipmunkさんによる紹介

ここに挙げられているグループすべての中で最もロック正統派の音だ。①だけはミドルテンポのハードロックだが、後は初期FLOYD、J．AIRPLANE或いはADⅡに近い神秘的異文化ムードで煽ってくるサイケな演奏。やはりC．VEIDT（後にVEIT）の独特なスタイルのギターが印象深いが、メロトロンよりオルガンを主力に空間を深めるキーボードも、さすが71年である。　なお2ndは面子のせいもあって殆ど中期POPOL　VUHだ。余談だが両作ともジャケ内側・裏側のメンバー写真がめちゃカッコいいよ。
（ミニヨンvol.5　村本）